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弗雷德里克·巴齐耶
弗雷德里克巴齐耶(蒙彼利埃,1841年-博讷拉罗朗德(卢瓦雷),1870年)放弃了他来巴黎学习的医学学业后,弗雷德里克 巴齐耶没费多少口舌便成功地说服了他的家人(他们是法国东南部的古老而又重要的城市蒙彼利埃的要人),让他继续他的绘画事业。巴齐耶既不需要考虑经济问题,也不必卖他的作品,他能够全身心地投入到大胆的绘画研究当中,效仿当时受到大多数民众和批评界诋毁的库尔贝和马奈;他还常常资助他的一文不名的朋友们。巴齐耶在格莱尔的画室里奠定了坚实的造型基础,对外光又特别敏感,他是一位有才气有文化的画家,用色比莫奈丰富又不放弃造型,即使他使用纯色也不极端,他从不保守,敢于探索自己的新艺术创作道路,尤其在风景画上他喜欢把人物置于空气清新的大自然中来描绘,使人物形象的轮廓更加清晰,可惜的是他没有等到印象派的兴起。巴齐耶出于对共和国的热爱,在巴黎公社前就参加了保卫共和国的国民自卫军,1870年11月28日在对普鲁士的战斗中光荣牺牲,年轻的画家只有29岁。虽然住在巴黎,但巴齐耶每年夏天都要回到靠近蒙彼利埃的梅里克的自家府邸。在那儿,可能在1864年夏天,为了创作现在大家知道的大幅风景画《粉色的裙子》,他的表妹泰雷丝德乌尔斯坐在俯视卡斯泰勒诺勒莱村的露台的栏杆上摆姿势。这是这个24岁的绘画新秀的最早的重要作品中的一幅。起初,巴齐耶大概想作一幅肖像画,因为在一张属于博物馆基金的初稿中,年轻女子的脸很清楚地呈现出来了,而在这幅画中她的脸避开了观众的视线。在绘画过程中,室外的肖像画的概念似乎发生了变化,变成了一幅混合画,但主题绝对是现代的:在一幅现实主义的风景画中详细描绘了一个在明亮光线下的典型而普通的南方村庄,画家把一个年轻女子的侧影放在半明半暗的光线中,她摆出随意的姿势。在这朴素的外形里,没有任何轶事暗示,甚至有些朴实无华,在对比色系列中,用形成强烈对比的手法作画,颜料浓稠,色调的细微变化很少,但不是没有深浅浓淡之别,模特儿的连衣裙的粉红和蓝灰色条纹的处理就很细腻。在主题选择上,巴齐耶接近他的朋友莫奈和雷诺阿,他们都用各自的表现方式,在室外场景中表现他们的同时代人——未来的印象派画家们偏爱的对象。不过,他的绘画方式对比强烈,有点生硬,这是他的个人特点,在他的短暂的绘画生涯中,绘画方式变化很少。
“唐宋八大家”之——苏轼
苏轼(1037年1月8日-1101年8月24日),字子瞻,又字和仲,号东坡居士,世称苏东坡。汉族,眉州眉山(今四川眉山,北宋时为眉山城)人,祖籍河北栾城。北宋散文家、书画家、文学家、词人、政治家、诗人,是豪放派词人的主要代表。同时,也是著名的美食家。苏轼一生仕途坎坷,学识渊博,天资极高,诗文书画皆精,其文汪洋恣肆,明白畅达。他和父亲苏洵,弟苏辙合称三苏,与欧阳修合称欧苏,与辛弃疾合称苏辛,与黄庭坚的并称苏黄,与陆游并称苏陆,为唐宋八大家之一。后代文人称其为坡仙诗神词圣等。苏轼是苏洵的次子(苏洵长子夭折)。1057年(嘉祐二年),苏轼与弟弟苏辙同登进士。曾在立新法中与王安石发生不快,被罢免官职。《饮湖上初晴后雨》是描写西湖的古诗中无人能超越的。世人说:门下三父子,都是大文豪。但在父子三人中,苏轼的成就是最高的,胜过苏洵和苏辙。清人敬称说:一门父子三词客,千古文章四大家。其词开豪放一派,对后世有巨大影响,书法擅长行书、楷书,能自创新意,用笔丰腴跌宕,有天真烂漫之趣,与黄庭坚、米芾、蔡襄并称宋四家;画学文同,喜作枯木怪石,论画主张神似,提倡士人画。著有《苏东坡全集》和《东坡乐府》等。
拉斐尔·圣齐奥
拉斐尔圣齐奥(意大利语:raffaello sanzio,1483-1520)是意大利杰出画家、建筑师。与达芬奇和米开朗基罗合称“文艺复兴三杰”,也是三杰中最年轻的一位。拉斐尔所绘画的画以“秀美”著称,画作中的人物清秀,场景祥和。他的性情平和、文雅,和他的画作一样。拉斐尔于1520年高烧猝逝于罗马,终年37岁,葬于万神庙, 但由于他勤勉的创作,给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。他的作品博采众家之长,形成了自己独特的风格,是手法主义的代表人物,也代表了当时人们最崇尚的审美趣味,成为后世古典主义者不可企及的典范。其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》。
保尔·德尔沃
保尔德尔沃(1897.9~1994)属于第二代的比利时超现实主义画家。他的大半生是在布鲁塞尔度过的。他一生所画的题材总离不开两个因素:一是文艺复兴以来的透视表现;二是以维多利亚式的古典建筑为背景,把事物处理在不可思议的时间、地点和空间里,让人观后隐隐感到有一种幻想欲望。保罗德尔沃(paul delvaux1897-1994)生于比利时的昂台特。他曾长期探索自己的艺术道路。直到1935年前后,他一直徘徊于新印象派和表现派之间。保罗德尔沃的作品他曾长期探索自己的艺术道路,直到1935年前后,他一直徘徊于新印象派和表现派之间。在该时期中,受乔治德基里柯和和内马格利特的双重影响在使他明白自己处境的同时,还促使他加入了超现实主义派。从那以后,他的目的不再是重现外部世界,为它录下真实的形象,而是发掘自身生活深处的亲切、秘密方面。客观现实只有在作为他梦幻的环境时,才会引起他的兴趣。就是在梦幻之中,产生了地点和人物的奇特相遇。无论是它们之间的关系,还是它们的相互对比,都成为往往郁郁不乐的诗歌,庙宇,月亮城,马路或公共广场,无家具的房间,在这些环境中,我们看到同一类型的妇女。她们年青漂亮,时而裸体,时而穿着镶有花边和树叶的衣服,或者大褶长裙,这种人物形象时时萦绕在画家的心头。德尔沃生于比利时列日省,父亲是律师。自幼受过良好的希腊罗马古典文化教育,并爱好古典乐、儒勒凡尔纳的科幻小说与荷马史诗;这些少时的兴趣后来都影响了他日后的画作。1916年进入布鲁塞尔的王立美术学院(acadmie royale des beaux-arts),此时他已立志当画家,但父母反对,故主修建筑;数年后成功说服父母,转而主修美术。1925年首次举行个展。早期作品多为印象主义式的风景画,1920年代晚期又转向表现主义风格,创作了一批以自然风景为背景的裸体画。1930年代,他受到许多因素的影响,开始确立自己后半生的画风:包括两位超现实主义画家德基里诃和马格利特的画作,丧母的冲击,以及1932年他参观布鲁塞尔博览会中“斯皮兹纳博物馆”(spitzner museum,一座以医疗与疾病为主题的博物馆)所设摊位时的经历──他看见以红色天鹅绒帷幕装饰的房间中展示著许多骷髅和表现疾病症状的蜡像。德尔沃十分着迷于此景象,之后他便不断描绘类似的场面。1930年代中期以后的德尔沃被视为超现实主义的一员,但其本人并不喜欢这种称呼,他也从未正式参加法国超现实主义团体的活动,只与其中个别人物有过来往;这种称呼主要来自其定型后的画风:主题以裸女为大宗,常描绘许多身材修长、眼神呆滞迷茫、皮肤白皙,宛如蜡像的裸女(有时只半裸或着衣)摆出生硬的姿势,不调和地出现于空旷的希腊罗马古典建筑或近代都市街道、火车站中,有时夹杂了骷髅或衣冠楚楚的男子,表现出神秘、梦幻、脱离现实的风格。除了这类画作,在1950年代他也使用过火车、骷髅为主题画过一批作品,风格同样奇特:背对观者的洋装少女望着月夜下的火车;将耶稣受难场景的人物全部以骷髅代换,等等。德尔沃于1950年-1962年任教于布鲁塞尔国立高等艺术与建筑学院,1965年-1966年任王立美术学院院长。晚年常受聘为布鲁塞尔各处公共场所绘制壁画。1982年创办德尔沃美术馆,收藏自己的作品。1994年以九十七岁高龄逝世。他自幼喜欢沉思和幻想,一生只爱过一个女人。德尔沃与安玛丽32岁时相恋,遭到父母的反对,35岁时母亲去世,40岁与他母亲满意的苏珊那结婚,50岁与安玛丽再次相遇,与苏珊那离婚后与安玛丽结婚。the great sirens, p.delvaux 1947画中女郎袒露或半裸着鲜嫩的身体,下体和乳房芳香馥郁,她却似毫不所知,月光下她来来去去,一次次与另一个自己相遇,那是她的过去,现在或未来。她 看见的自己,一如倒影,也渐渐消逝,宛若回声。她眼神呆滞,手势僵硬,面无表情,沉默中她自由自在,偶尔有些专注,马上又心不在焉。她肯定有些顾影自怜, 本是梦中人,梦中还有梦。注视着人的人,也被人所注视。是夜游,还是仪式? 画里有深深的欲望,却无比洁净。如亚当和夏娃,日光之下,或者无论满月新月,肉体与光的袒然接触,身体是纯洁的。德尔沃偏爱蓝色的长裙,紫色的领结,植物的花冠,金色的卷发,画中女子面孔体态相似,无疑那是他的女神。常有黑衣道貌岸然的男子,似乎在偷窥。德尔沃的画最接近于诗,那是诗与梦的结合。并且那不是一张静止的画,从中可以看到画中人走动的轨迹,于是镜头也似乎跟随着运动,观者观画的过程,也接近于梦游的过程。他的全部作品除去几幅草图都在满足他接近一个理想人物的要求。由于形势的反常和颠倒,这一理想人物似乎在追赶着他,而未能与他会合。超现实主义,这一动员本能和下意识去进行的人的解放运动,在表现方法和绘画技巧上,因自称为该派成员的画家情况不同而存在很大差异。德尔沃的风格比马克斯恩斯特或若安米罗要现实很多,与基里柯相似。不过,基里柯的技巧是生硬的,朴实无华的,故意画得可怜巴巴的;德尔沃则是位抒情诗人,严守弗拉芒祖先对和谐之形的爱好,他画得很仔细,不过,过多的细枝末节,小故事,过分加工的背景,有时分散了他对鲜艳色彩的热爱。一些非常漂亮的水彩画使他的艺术可以说在方法上是古典主义,思想上是超现实主义变得更加完整。这就是保罗德尔沃。
雅各布·凡·雷斯达尔
雅各布凡雷斯达尔(jacob van ruisdael,1628?–1682年) ● 生平介绍:荷兰风景画家,擅长捕捉大自然的力量与活力。许多林景作品,如《倒树》(fallen tree)和《林景》(forest scene),成为十九世纪欧洲风景画家们效仿的典范。雷斯达尔对自然景致有着准确的观察,在《哈勒姆麦田》(view of haarlem, wheat fields)等全景式荷兰乡村风情作品中,以写实的笔法刻画的云彩占据了主导地位。 他还经常使用明暗对比法,以增加作品的戏剧性和情感力度,如《墓地》(the cemetery)和《迪尔斯泰德附近的韦克磨房》(the mill at wijk near duurstede)。 雷斯达尔出生在哈勒姆,父亲是一名艺术品商人。叔父所罗门凡雷斯达尔(1600?–1670年)是当地一位很有名的风景画家,他可能跟随叔父学习过绘画。雷斯达尔的生平不详。1650年左右,他在阿姆斯特丹定居。他的好朋友梅因德尔特霍贝玛可能是他的学生。 ● 画风介绍:雷斯达尔最善于画森林湖海,他笔下的森林光与阴共存,光阴过渡自然;他笔下的湖海浮光掠影,波光鳞鳞。荷兰是近北欧的低地岛国,日照少,地气湿,阳光对荷兰人尤显珍贵。因此,人们欣赏荷兰画,不管是人物,静物还是景物,总能看到画面上光影缕缕。17世纪的荷兰画家是西方风景绘画的开拓者,他们影响了18,19世纪的英国浪漫派风景画派,也影响了19,20 世纪的法国印象画派。欣赏西方绘画就应该欣赏荷兰17世纪风景画,而欣赏荷兰17世纪风景画就必须欣赏雷斯达尔的风景画。 ● 优秀代表作: 埃克河边的磨坊 这是一幅很有荷兰民族地方和时代特色的风景画,它是一首对大自然动力的赞美诗。展现在我们面前的是:在一条碧波荡漾的河湾旁,高大的风车耸立在乌云翻滚的天空,显得庄重、巍然而神圣。画家擅长于色彩造型,博大精深的天空运用变化多端的和谐灰色,层次丰富,笔触细腻沉稳,他使笔触与色彩消失在翻腾的云层中,人们看到的是真实的天空。这才是至高的艺术境界。
米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔
卡拉瓦乔的一生醉人、危险而又充满了谜。1600年,他突然出现在罗马的艺术圈,此后就再没有缺少佣金和资助,尽管他将自己的成功经营得很糟糕。关于他最早的评介见于1604年,这份材料描述他大约3年前的生活方式,说“他干两周的活儿就能挎剑大摇大摆逛一两个月,还有一个仆人跟着,从一个球场到另一个,总是准备争吵打斗,因此跟他在一起狼狈之极。”1606年,卡拉瓦乔在争斗时杀死了一个年轻人,人家悬赏他的项上人头,于是他逃离罗马。1608年,他又在马耳他卷入另一场争斗,之后的1609年,在那不勒斯,还是争斗,这次可能是不明来历的对头要取他性命。到下一年,度过十年多一点的画家生涯后,卡拉瓦乔离开了人世。在16世纪末到17世纪初的几十年间,罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿,需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁,因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义,兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。在卡拉瓦乔手中,这种新风格是达到真实性和灵性的工具。虽然卡拉瓦乔在世时声名显赫,死后的几个世纪里却被人们完全遗忘了,只是在20世纪的最近几十年才被重新发现。尽管他影响了d衰亡后几乎所有的艺术风格,但对新兴的巴洛克艺术才是真正影响深远的。安德烈贝恩-若夫鲁瓦(保罗瓦乐希的秘书)评论道:“坦率地说,卡拉瓦乔的工作标志着现代绘画的开始。”卡拉瓦乔镇是个米兰以东大约三十公里的小镇,卡拉瓦乔的父亲费尔莫梅里西是镇上弗兰西斯科斯福札侯爵的管家和建筑装潢师。卡拉瓦乔的母亲露西娅阿娜托莉来自本地一个富有的家庭。梅里西的孩子们(米开朗基罗是长子)都不在镇子的洗礼记录上,他们可能都生于米兰,因为梅里西住在侯爵在米兰的宅邸(注:2007年意大利的《24小时太阳报》报道,艺术史专家皮拉米在米兰教会的档案中,找到了卡拉瓦乔的受洗记录,表明卡拉瓦乔1571年9月29日生于米兰)。1576年,为了避开肆虐米兰的瘟疫,卡拉瓦乔一家搬到了卡拉瓦乔镇。次年,卡拉瓦乔的父亲在此去世。据推测,卡拉瓦乔可能在卡拉瓦乔镇长大成人,而童年则是在米兰度过。在米兰,卡拉瓦乔家似乎不仅与斯福札家族,还和显赫的科隆纳家族有来往,科隆纳家族和斯福札家族有联姻关系,在卡拉瓦乔后期生活里扮演重要角色。1584年,卡拉瓦乔开始了4年的学徒生涯,师从据称是提香学生的米兰画家西蒙彼得扎诺。学徒期间,卡拉瓦乔好像一直待在米兰和卡拉瓦乔镇,但他也可能去过威尼斯,看到过吉奥乔尼和提香的作品,因此后来他被指责模仿吉奥乔尼。的确,他熟悉米兰的艺术珍宝,包括达芬奇的《最后的晚餐》,还有当地的伦巴第艺术。伦巴第艺术风格倡导“简单、关注自然主义细节”,较之风格拘谨庄重的罗马风格主义,伦巴第艺术更接近于德国自然主义。1592年年中,卡拉瓦乔到达罗马,“衣不蔽体,极度贫困……居无定所,缺吃少穿……身无分文。”几个月后,他开始为当时风头正健的朱塞佩切萨里(教皇克雷芒八世喜爱的画家)当枪手,在看起来像厂房的工作室“画鲜花和水果”。这一时期,卡拉瓦乔为人所知的作品包括小幅的《削水果男孩》(已知的最早画作),《捧果篮男孩》和《年轻的酒神巴克斯在病中》以及他重病康复过程中画的一张自画像,病好后他不再受雇于切萨里。这三幅作品都显示了物理学上的精确(卡拉瓦乔现实主义的一面),由此他开始成名。一个园艺学教授曾经分析认为,捧果篮男孩捧的水果能用来确定栽培品种。“一大片无花果叶子上明显有真菌引起的烧灼状斑点,很像是植物炭疽病。”与现实主义一面共存的是心理的一面:捧着一个沉甸甸的篮子,男孩显然有点厌烦了,但他同时又觉得好玩,所以顺从;他赤裸的肩膀被画家处理得充满肉欲,很明显这是画家对他的模特的感受;但这个男孩虽然友好,却对画家的感受没有任何回应。1594年1月,卡拉瓦乔决心走自己的路,他离开了切萨里。他的人生到了最低潮,但也就在这个时候他与几个人结下了非常重要的友谊,分别是画家普罗斯佩罗奥尔西、建筑师奥诺里奥隆吉和16岁的西西里岛艺术家马里奥明尼蒂。已经在画坛确立地位的奥尔西把卡拉瓦乔介绍给有影响力的收藏家;隆吉更是要命地把他带入了罗马街头的争斗世界;明尼蒂则变成他最经常的模特及伴侣。《算命者》是首幅超过一个人物的画作,画得是马里奥正在被一个吉普赛女郎欺骗。这个主题在罗马来说非常新颖,在之后超过一个世纪的时间里产生了巨大的影响。不过,那时候卡拉瓦乔售出它几乎没挣到钱。《纸牌作弊老手》——表现另一个不懂世故的男孩落入纸牌骗子的圈套——心理上更复杂,也许是卡拉瓦乔的第一件真正的杰作。像《算命者》一样,《纸牌作弊老手》非常受人欢迎,现存有超过50个副本。更重要的是,它吸引了红衣主教弗朗切斯科马里亚德尔蒙特的光顾。弗朗切斯科马里亚德尔蒙特是罗马城里重要的鉴赏家,自此以后,卡拉瓦乔能够和明尼蒂共享红衣主教玛德玛宫里的一个房间。卡拉瓦乔为德尔蒙特及其富有的喜好艺术品的圈子创作了许多私人的室内作品——《音乐家们》、《鲁特琴师》、微醺的《酒神巴克斯》、具有象征性而又是现实主义作品的《被蜥蜴咬的男孩》——由明尼蒂及更多的男孩们充当模特。这些诗意、内向、神秘的同性恋作品与之前几年开始的心理现实主义很接近。随着卡拉瓦乔的首幅宗教题材画作的完成,现实主义重新回归,非凡的灵性也出现了。这就是《悔罪的抹大拉的马利亚》,画的是这样一个时刻——抹大拉的马利亚不再是一个高级妓女,她坐在地上哭泣,珠宝散落在周围。“完全不像一幅宗教画……一个姑娘坐在矮木凳上晾干她的头发……哪里有悔悟……苦痛……赎罪的保证呢?”这是伦巴第风格中的朴素,而不是当时罗马风格中的戏剧性。在另外几部作品中卡拉瓦乔延续了这种风格,它们是《圣凯瑟琳、马大和抹大拉的马利亚》、《砍下荷罗孚尼头颅的犹滴》、《用以撒祭献》、《极乐境界的亚西西圣方济各》和《逃往埃及途中歇息》。这些作品在一个有限的圈子里展览,增加了卡拉瓦乔在鉴赏家和同行那里的声望。但是,真正的声望还有赖于公共领域,因此把目光转向教堂是必要的。1599年,大概通过德尔蒙特的影响,卡拉瓦乔取得装饰圣路易吉迪弗朗西斯教堂的肯塔瑞里礼拜堂的合同。这一委托包括两件作品,《圣马太殉难》和《圣马太蒙召》,1600年完成后立刻引起轰动。卡拉瓦乔增强的明暗对照法使得主题极富戏剧性,同时精确观察带来的写实把情感的强度提高到了一个新的水平。现在人们把这种明暗对着法的增强形式称作暗色调主义,其兴起归功于卡拉瓦乔。卡拉瓦乔同时代的画家对此持截然不同的两种观点。一些人公开指责他有各种的感觉缺陷,特别是他不讲作画章法,坚持写生。但绝大多数人把他当作艺术的救主来欢迎。“那时,罗马的画家被这种新颖的画风所吸引,特别是年轻画家都聚集在卡拉瓦乔身边,称赞他是绝无仅有的自然模仿者,把他的作品视作奇迹。”卡拉瓦乔又创作了一系列宗教作品,作品以暴力的斗争、奇异的斩首、拷打和死亡为特征。通常,每一幅新作都提高了他的声望,但也有几幅被订货的团体所拒绝,必须重画或者另寻买主。问题的症结在于,当卡拉瓦乔的强烈戏剧性被欣赏的同时,他的现实主义风格却被一些人视作无法接受的粗俗。《圣马太和天使》的第一版把圣徒画成一个秃头农民,腿脏兮兮的,一个身穿薄衣太过亲昵的天使男孩在照顾他。这幅画被拒收,卡拉瓦乔不得不重画一幅《圣马太的灵感》。同样,《圣保罗的皈依》也被拒收,同一题材的另一个《圣保罗的皈依》被接受了,这幅画中马背较圣徒本人更加突出,这激怒了圣玛利亚德尔波波洛教堂的一位官员:“为什么你把马画在正中间,圣保罗却在地上?”“自有我的道理!”“那匹马是上帝吗?”“不是,但它站在上帝的光芒下!”其他作品包括非常动人的《基督下葬》、《罗雷托的圣母》、《圣母、圣婴和圣安妮》以及《圣母之死》。《圣母之死》的故事可以作为例证来说明卡拉瓦乔生活的时代是如何对待他的部分作品的。1601年,一个富有的法官委托卡拉瓦乔给他私人的礼拜堂作画,这个礼拜堂位于在新的加尔默罗会修道会教堂——圣玛利亚德拉斯卡拉教堂,1606年加尔默罗会修道会拒收这幅作品。和卡拉瓦乔同时代的朱利奥曼奇尼记载说被拒收是因为卡拉瓦乔用了一个当红的妓女作为画圣母的模特;另一位同时代的人,乔瓦尼巴廖内告诉我们是因为圣母光着双腿:两种情况都不得体。但研究卡拉瓦乔的学者约翰加什认为,加尔默罗会修道会可能认为问题更多的出在神学上而不是美学上,卡拉瓦乔的那个版本没有坚持圣母升天的教义——上帝之母不是通常意义上的死亡而是被接进了天国。替换的作品(来自卡拉瓦乔最有才能的追随者,卡洛萨拉切尼)画的是圣母没有死,而是坐着行将去世,但即使这样还是被拒收。最终替换的画作中,圣母没有死,而是和合唱的天使们一起飞升天国。无论如何,拒收并不意味着卡拉瓦乔和他的追随者失宠。《圣母之死》被拿出后教堂,就立即在...
列奥纳多·达·芬奇
莱昂拉多达芬奇(leonardo di ser piero da vinci,1452年4月15日~1519年5月2日),是艺术家,又是科学家 【即理论科学家(社会科学家和自然科学家)和应用科学家(包含发明家)】,这位奇才对各个领域的知识几乎是无师自通,是人类历史上绝无仅有的全才,他最大的成就是绘画,他的杰作《蒙娜丽莎》《抱着银鼠的女人》《卢克雷齐亚克里韦利》和《最后的晚餐》,体现了他精湛的艺术造诣。      他还擅长刻雕、音乐、发明,通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科,既多才多艺,又勤奋多产,保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体,人体是大自然的奇妙之作品,画家应以人为绘画对象的核心。达芬奇,意大利文艺复兴中期的著名美术家、科学家和工程师,1452年4月15日生于托斯卡纳的芬奇附近。他在少年时已显露艺术天赋,15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺,成长为具有科学素养的画家、雕刻家、军事工程师和建筑师。1482年应聘到米兰后,在贵族宫廷中进行创作和研究活动,1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国,1519年5月2日病逝。 莱昂拉多达芬奇 leonardo da vinci 是欧洲文艺复兴时期,最知名的的意大利画家、科学家,原名:leonardo di ser piero da vinci、1452年4月15日 --- 1519年5月2日,他给后人留下了众多传世名画,以及其它科学领域的研究成。 在列奥纳多达芬奇leonardo da vinci 逝世之后的500年间,人类一直对他进行研究与探索,欧美各国、以色列等亚洲国家设立了研究达芬奇的专门机构,他的祖国意大利更是把他作为文化的象征。
千古第一才女---李清照
李清照(1084-1155),山东省济南章丘人,号易安居士。宋代女词人,婉约词派代表,有”千古第一才女”之称。早期生活优裕,与夫赵明诚共同致力于书画金石的搜集整理。金兵入据中原时,流寓南方,境遇孤苦。所作词,前期多写其悠闲生活,后期多悲叹身世,情调感伤。形式上善用白描手法,自辟途径,语言清丽。论词强调协律,崇尚典雅,提出词别是一家”之说,反对以作诗文之法作词。能诗,留存不多,部分篇章感时咏史,情辞慷慨,与其词风不同。有《易安居士文集》《易安词》,已散佚。后人有《漱玉词》辑本。今有《李清照集校注》。
海伦·亚当斯·凯勒
海伦亚当斯凯勒又译为海伦凯勒(helen adams keller,1880.6.27-1968.6.3),美国女作家,残疾教育家。1880年6月27日出生于亚拉巴马州北部一个小城镇——塔斯喀姆比亚。她在19个月的时候因为一场高烧,失去了视力和听力。在这黑暗而又寂寞的世界里,她自暴自弃,但在导师安妮莎莉文(annie sullivan)的帮助下,海伦学会用顽强的毅力克服生理缺陷所造成的精神痛苦。在她导师的盲人教导和盲人学校的教学下,她热爱生活并从中得到许多知识,学会了读书和说话,并开始和其他人沟通。以优异的成绩毕业于哈佛大学拉德克利夫女子学院,成为一位学识渊博,掌握英语、法语、德语、拉丁语、希腊语五种语言的著名的作家和教育家。她走遍世界各地,为盲人募集资金,把自己的一生献给了盲人福利和教育事业。她获得了世界各国人民的赞扬,并得到许多国家政府的嘉奖。海伦认为视力和听力丧失的悲剧往往发生在那些因贫困而无法给予孩子及时治疗的家庭。为了消除社会不平等引发的罪恶现象。海伦加入了美国社会党(socialist party of america)和国际产业工人协会iww(industrial workers of the world),成为一名激进的社会主义者。1924年,海伦开始为刚萌芽的美国盲人基金会募集基金,这项工作成为她生命的重点。1927年,她出版《我的宗教》(myreligion),叙说她皈依斯维登堡教派的过程,1930年出版第二本自传《中流》(stream)。在第二次大战之前,海伦凯勒已是一位激烈的反法西斯主义者,战争期间,她支持美国介入战场,并且常受邀到军事医院探访。战后,她与汤普森代表海外的盲人环游世界。我们从她身上可以看到勇敢者的力量。曾著有《我是怎样成为一名社会主义者的》和《我为什么要加入 iww》两篇文章解释自己的行为动机。但西方历史教科书往往褒扬海伦凯勒早年与疾病抗争的故事,而其成年后作为一名社会主义者的事实被故意忽略了。在《老师告诉我的那谎言-美国历史教科书犯下的错误》书中曾提到这一点。海伦凯勒一生一共写了14部巨作。大学期间发表了《我生命的故事》。《我的生活》是她的处女作。作品一发表,立即在美国引起了轰动,被称为“世界文学史上无与伦比的杰作”,出版的版本超过百余种,在世界上产生了巨大的影响。最著名的是《我的生活》《走出黑暗》《老师》三本书以及发表在美国《大西洋月刊》上的著名散文《假如给我三天光明》。
后印象派三杰之文森特·威廉·梵高
文森特威廉梵高(vincent willem van gogh,1853年-1890年),荷兰后印象派代表性画家。  梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭,早年的他做过职员和商行经纪人,还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端,在生活中屡遭挫折和失败,最后他投身于绘画,决心在绘画中与自己苦斗。他早期画风写实,受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年,他来到巴黎,结识印象派和新印象派画家,并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变,他的画,开始由早期的沉闷、昏暗,而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候,则已经摆脱印象派及新印象派的影响,走到了与之背道而驰的境地。在阿尔,梵高想要组织一个画家社团。1888年,高更应邀前往,但由于二人性格的冲突和观念的分歧,合作很快便告失败。此后,梵高的疯病(有人记载是癫痫病)时常发作,但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月,他在精神错乱中开枪自杀,年仅37岁。  这位易于激动而富于神经质的艺术家,在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术,是心灵的表现。他曾说:作画我并不谋求准确,我要更有力地表现我自己,他并不关注于客观物象的再现,而注重表现对事物的感受。亨利福西隆在论述凡高时说道:他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说,一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意,他感到大自然生命中具有一种神秘的升华,他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜,他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类 (奥夫沙罗夫编《凡高论》上海人民美术出版社,1987年,第95页)。  为了能更充分地表现内在的情感,梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为:颜色不是要达到局部的真实,而是要启示某种激情。在他画中,浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触,则使他的麦田、柏树、星空等,有如火焰般升腾、颤动,震撼观者的心灵。在他的画上,强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。 1853年3月30日生于津德尔特,早期因为表达内心的悲痛,曾割断了自己的耳朵。1890年7月29日在法国瓦兹河畔因困扰其多年的精神病发作自亡 。早年经商,后热衷于宗教,1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识e贝尔纳、p西涅克和p高更等画家。早期作品受印象主义和新印象主义画派影响,代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活,来到法国南部的阿尔勒,开始追求更有表现力的技巧;同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发,大胆探索自由抒发内心感受的风格,以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新,人们的思想得到空前的变革,接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高,此时正适应了人们的审美需求。梵高不仅是一个伟大的画家,而且是一个出色的作家与哲学家!获得这项殊荣的时候,梵高已经去世了47年。
亨利·朱利安·费利克斯·卢梭
亨利朱利安费利克斯卢梭(henri julien flix rousseau,1844年5月21日-1910年9月2日),法国卓有成就的伟大画家也是法国后期印象派画家。生于法国西北部的拉瓦尔市。父亲朱利安卢梭是马口铁工匠。青年时期他当过军乐队队员,后离开巴黎做了海关官员。1885年在香埃吕西沙龙展出处女作,1886年《狂欢节之夜》参加独立派展览。此后他平均每年都有5幅以上作品展出。他的代表作有《村中散步》、《税卡》、《战争》、《睡着的吉普赛姑娘》、《我本人肖像风景》、《乡村婚礼》、《抱木偶的女孩》、《梦》等等。他用那纯真无瑕的眼睛去观察世界和感受生活的真谛,这使他的画具有强烈而鲜明的个性。每个时代都有它的先知。被奉为二十世纪超现实主义艺术先行者的是亨利卢梭。“他凭着本能画画,他认为创作者必须获得完全的自由才能在思想上达到美与善的境界”(亨利卢梭自语)艺术家的全部秘密就是心灵的自由。它无需乞求,只需小心地、坚定地、执拗地保持和维护。它是一份人人享有的天赐。当然,为保持心灵的自由,就需要更多的牺牲。看看卢梭,当他离开世界的时候,告别的,只有贫穷。“人们描述卢梭的性格时几乎总要提到他的‘质朴’与‘天真’。但是,一个如此伟大、质朴的人,一颗如此纯洁的心灵,却经常在另一些人心中激起一种要伤害他的欲望”除了贫穷以外,来自四面八方的嘲弄也几乎伴随卢梭的一生。若前者尚可认为是上帝对艺术家的一种特殊“恩惠”,后者却实在难以使人产生幽默感了。但卢梭对种种的捉弄,甚至是很残忍的玩笑,也能泰然处之。我想,当他为了尚无着落的晚餐而在街头演奏小提琴的时候,心头也依然也保持着天真与快乐吧。他并不是战胜痛苦!或者苦中作乐,不,他根本不以痛苦为痛苦!天真坦诚以及天真坦诚包裹着的自信,是那颗自由心灵的可屏护。生活中一切磨难所造成的痛苦都无法进入这一方圣地。(莫扎特也是如此)卢梭也常被人称为“原始主义”画家。因为他笔下那浸润着幻想色彩的热带丛林风光,人与野兽间充溢着温情的对视,和一种似梦非梦的神秘情调,很容易将人引向对一个遥远的古老时代的“回忆”。滤去原始时代血与火的残酷,留存的只是天真,稚拙,宁静与生命的单纯。这位都市里的“土著”(他一生未离巴黎)就生活在这个只属于他的想像的世界里。正如他自己所说,梦的单纯的力量,支配着我的景物。卢梭只是忠实地记录了一个有一个奇妙的神秘的永远的梦。是否活着的世界是虚幻的,惟有幻想中的世界才是真实的?卢梭的作品“纯净”得让你一眼就能看“懂”,却又总疑心放过了隐藏其中的某种深刻的奥秘。(我每次听莫扎特的音乐也是这种感觉)不过,我倒愿意仅仅保留一份天真与稚拙的感受,认定那单纯、自由、随心所欲无所依傍的形式就是一切。“他没有发现新大陆,他生来就住在新大陆”。后来无论具象的达利还是抽象的米罗,超现实主义画家都发现了这片新奇的土地,都是卢梭风格的延续。而那一颗臻于美善境界的自由的心灵,那一种与生俱来随风而逝的天真,却从这不再是新奇的土地上永远消逝了。幼年家境并不富裕,1871年进入巴黎市政府海关处担任收税员,而终其一生,就是担任这个安分的公务员;他的闲暇嗜好,就是创作绘画,曾经获准在罗浮宫美术馆临摹。曾经参加官方的沙龙展,却未曾入选;但他仍自得其乐的不断创作。卢梭于1855年从巴黎一所收费站中退休后,始全力作画,因此博得“关税员”的称号。别人常把他归为“原始的”、“素人的”、“周日画家”之列,他却光明正大地认为自己是不折不古的专业画家。1891年起常至植物园观赏温室里的热带景物,创作了许多充满幻想式的作品,如“睡眠中的吉普赛女郎”、“梦”等,1893年退休之后,生活清苦,却全心投入绘画创作;他充满想像的作品,却获得了诗人的赞赏及毕加索等前卫画家所推崇。卢梭画的主题包罗万象,除了巴黎市郊,还有手法率真直接的人像,瑰丽的寓言性作品,花卉、尤其是一批富异国情调的大幅幻想式作品,这些作品是他常逛巴黎的公园、植物园、动物园所激发出来的。卢梭创作热衷于创造一个幻想的世界,他的艺术很难归到哪一派,但他的画法属超现实主义。他似乎总是生活在一个梦幻的世界,这种与生俱来的爱幻想的天真性格,在他的日常生活中也充满天真烂漫,他的画具有原始童话般的魅力。
萨尔瓦多·达利
萨尔瓦多达利(salvador dali),1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯,1989年1月23日逝世。他是一位具有卓越天才和想象力的画家。把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面,他对超现实主义、对20世纪的艺术做出了严肃认真的贡献。达利的一生充满了传奇色彩。除了他的绘画,他的文章、口才、动作、相貌以及胡须均给欣赏他的人们留下了扑朔迷离的印象。达利年轻时在马德里和巴塞罗那学习美术,曾兼收并蓄多种艺术风格,显示出作为画家的非凡技能。但是,直到20世纪20年代末期,才由两件事情促使其画风日臻成熟。一是他发现了弗洛伊德的关于性爱对于潜意识意象的重要著作;二是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者,这群艺术家和作家努力证明人的潜意识是超乎理性之上的“更为重大的现实”。为从潜意识心灵中产生意象,达利开始用一种自称为“偏执狂临界状态”的方法,在自己的身上诱发幻觉境界。达利发现这一方法后,画风异常迅速成熟,1929~1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家。在他所描绘的梦境中,以一种稀奇古怪、不合情理的方式,将普通物像并列、扭曲或者变形。在这些谜语一般的意象中,最有名的大概是《记忆的永恒》(1931),画中以平静得可怕的风景为衬托,停留着一只柔软易曲、正在熔化的表。达利还与西班牙电影导演l布努埃尔共同制作两部超现实主义影片,即《安达鲁的狗》(1928)和《黄金时代》(1930),同样充满怪诞的但富于暗示的意象。20世纪30年代末,在文艺复兴画家拉斐尔的影响下,达利的绘画转趋比较古典的风格,并因此而被超现实派开除。此后,他花费大量时间设计舞台布景、时髦商店内部装饰以及珠宝饰物。在1950~1970年间他有许多宗教题材的绘画作品,但仍探索性爱主题,描绘童年记忆,并且让妻子加拉成为这些题材的中心形象。这些晚期绘画虽然技法纯熟,但客观评价低于其早期作品。在达利的著作中,最有趣味和揭露隐秘的是《萨尔瓦多-达利的秘密生活》(1942~1944)。他的许多作品中充满了暴力和对传统社会禁欲主义的批判。代表作有《记忆的永恒》、《悍妇与月亮》、《内战的预兆》等。萨尔瓦多达利1904年5月11日出生在西班牙figueres的一个小镇上,并且在那里度过了自己的孩提时光。他的出生地距离法国大约只有16英里的路程。达利的父亲是一位公证员,家底殷实,曾经在海边小渔村cadaques替达利建立了他的第一个艺术工作室。萨尔瓦多达利的童年和青少年时代非常活跃,这对于他后来的生涯尤其重要;这个时期的一些轶事,无论真实与否,都是他以后许多持续不变的形象的基础,他与父母及妻子加拉的关系对于他的艺术个性的形成具有决定性的作用。达利总是热爱着他儿时的风景环绕菲格拉斯城的大平原和有橄榄林与尖秃岩石的加泰隆尼亚海岸。这些古老令人伤感的风景不仅作为背景而且也作为有生命的存在进入了他的绘画。除了毕加索,萨尔瓦多达利也许是最为知名但这并不是说得到了高度的评价的二十世纪画家。长大成人后,达利和妻子gala在附近的lligat港口组建了自己的自己的家庭。他的许多作品都反映了他对西班牙这一港口的热爱。年轻的达利曾经在马德里sanferno美术学院求学。他的天赋第一次被世人发现是在1925年巴塞罗那的个人作品展中。在1928年匹兹堡第三届卡内基国际展览会上,他展出了包括《the basket of bread》在内的三幅作品,从而为他赢得了国际声誉。次年达利举办了他在巴黎的第一次个人展。同年,他还加入了由前达达派成员re breton领导的超现实主义流派。也就是在这一年,达利在cadaques结识了gala,当时她正巧与她的丈夫,诗人paul eluard去拜访达利。从此以后,gala便成为了dali的至爱,同时也是他的商业经理人和主要的灵感来源。很快地,达利成为了超现实主义运动的领导人。他的作品《the persistance of memory》,描绘了一个软绵绵的钟表,是当今世上最杰出的超现实主义作品之一。但是随着战争的临近,向来对政治漠不关心的达利与其他的超现实主义者发生了冲突,终于在1934年的一次“审讯”中被开除出了超现实主义团体。然而,在接下来的十年左右时间里,他依然还是能够在国际超现实主义作品展中亮相。在1940年左右,达利又形成了一种新的风格--现在称这段时期为他的“经典”时期--显示出了其对科学和宗教的专注。二战期间,达利和gala逃离了欧洲,在美国度过了从1940 到1948的8年时光。这段时间在达利的一生中至关重要。1941年,纽约的现代艺术博物馆为达利举行了他的第一个规模宏大的回顾展;1942年达利又出版了自己的自传《the secret life of salvador dali》。在达利从超现实主义向他的经典时期转变得过程中,达利开始创作他的19幅大型油画,很多都涉及了很科学,历史和宗教题材。这19幅大型油画已经成为了一个系列,其中最为有名的是《the hallucinogenic toreador》,《the discovery of america by istopher columbus》和《the sacrament of the last supper》。1974年,达利在西班牙的figueres成立了teatro展览馆,之后又在20世纪70年代结束之前相继在巴黎和伦敦举行了作品回顾展览。自从达利的妻子gala在1982年过世以后,达利的健康状况也是每况愈下。1984年,他在pubol家中的一次火灾事故中又被烧伤,使他的健康更加恶化。这段时期内,达利的大部分时光都是在与世隔离的状况下度过的,开始是呆在pubol,后来又搬到了teatro展览馆附近的私人公寓中。1989年1月23号,达利死于心脏病和呼吸并发症。超现实主义绘画是西方现代文艺中影响最为广泛的运动之一,第二代超现实主义画家有彼埃罗依、唐吉、马格里特、保罗德尔沃以及萨尔瓦多达利(1904.5—1989.1)等。这一批画家是专以精致入微的细部写实描绘和可以认识的物体局部为准则,来表现一个完全违反自然组织与结构的生活环境,把幻想结合在奇特的环境中,以展示画家心中的梦幻。有人也把这种画称之为自然主义的超现实主义。达利作为该运动在美术领域的主要代表,一直是人们关注和争论的对象。“我同疯子的唯一区别,在于我不是疯子”,“每天早晨醒来,我都在体验一次极度的快乐,那就是成为达利的快乐……”。不用看达利高高翘向天穹的胡子,不用观赏他充满奇思怪想的作品,单是这些不同凡响的妙语,就足使你想象得出他是个什么样的人。达利的盛誉主要归结于他自我推销的天分,但更应归功于他富于奇想的特殊才能。他的奇思怪想源自于生命中难以捕捉的素材,如性、死亡、变态、苍穹。他惯用不合逻辑地并列事物的方法。将受情感激发产生的灵感转变为创作过程,将自己内心的荒诞、怪异加入外在的客观世界,将人们熟悉的东西扭曲变形,再以精细的写真技术加以肯定,使幻想具有真实性。达利始终宣称自己是现代艺术文化的救世主,每天都在创造丰功伟绩,取得划时代的胜利:前往巴黎、遇见加拉、爱情田园诗、超现实主义革命…… 为了获得自相矛盾的视觉形象,他通常都十分细致,精确地用十分斜视的手法描绘这些创造的形象,也许正式这种一丝不苟的现实主义笔法,正式这些清晰存在却非真实的形象才是如此令人不安的原因。萨尔瓦多达利承认自己表现了一种“由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”。为了寻找这种超现实幻觉,他们象弗洛伊德医生一样,去探索精神病患者的意识,认为他们的言论与行动往往是一种潜意识世界的真诚反映,这在日常生活中是见不到的。对于超现实主义画家来说,这是些至为珍贵的素材。因此,达利的许多作品,总是把具体的细节描写和任意地夸张、变形、省略与象征等手段结合地使用,创造一种介于现实与臆想、具体与抽象之间的“超现实境界”。读他的画,人们既看懂所有细节,从整体上,又感到荒谬可怖,违反逻辑,怪诞而神秘。这种“潜意识”的景物,其实都是画家主观地“构思”出来的,根本不是什么潜意识或下意识的感情表达。达利赞成人应该培养真正的幻想,象临床的妄想狂一样,而受理性控制的人的精神背后,仍保留有一些剩余意识。这些剩余意识使人处在静态之中。他还宣传,妄想方式不仅要运用在日常工作中。在他的日常生活里,他就常常故意放任自己的怪僻行为。如他穿一身潜水服出现在1936年伦敦超现实主义画展的开幕式上。他偏爱的幻觉形象常常被不断重复,如带有许多半开的抽屉的人形,蜡样软化的硬件物体,抽丝样细长的兽腿以及物体向四周无重心地飞开的景象,等等。在某种意义上,达利所定义的“超现实主义”比布列顿(r breton,1896—1966,法国诗人)1924年首次发表的超现实主义定义更有名。这并非意指它们之间有本质的区别,只不过达利因为他的绘画、他的文章以及他的口才、动作、相貌和生活方式活生生的造就出这个深印公众脑海里的“超现实主义”,使它不再只是白纸上的黑字。达利在超现实主义绘画中的影响最大,持续的时间也最长。不仅他的画,还有他的文章、口才、行动以及他的打扮,都无不在宣传他的“超现实主义”。他在发挥和运用自己的想象力上,可以说超越了他们的超现实主义绘画群体。他的有些作品除了传达无理性、色情、疯狂和一定程度的社会哲学观外,有时还反映着人们的时髦心态。在达利长达70年的艺术生涯里,可谓做尽了让我们瞪目...
葛饰北斋
日本宝历10年(1760年),北斋出生在江戸本所割下水(现东京墨田区)的一间普通民房里。本名叫中岛时太郎,后来改名叫铁藏。他的父亲是幕府的御用镜师,但是家里并不富裕,不过就像许多出生在平民区的孩子一样,北斋拥有一个简单而幸福的童年,当然其中也许会略带一点苦涩。同时,也同许多成功者一样,他的童年也被后世的某些好事者,涂上了神话色彩,比如说他6岁就展现出非凡的“绘画天才”云云。但葛饰北斋很早就受到了艺术的“熏陶”却是事实,只不过不是出自于父母的“望子成龙”式的培养,而是出于生活所迫。少年时代的他当过租书铺和印刷所的学徒,从而粗学过一点雕刻。他正式的接触艺术,是在19岁那一年。这一年他进入胜川春章门下,正式开始学习绘画,立志当一名绘师。 胜川春章对这位青年的艺术才能还是很赏识的,以至转年就准许他以“胜川春朗”为画号发表作品。他开始时只是为黄表纸、洒落本之类的小作品配上插图。在胜川画室工作的15年间,他的作品并不太多,其风格也大多模仿其师,然而这段经历,却为他以后的创作打下了深厚的根基。宽政4年(1792年),老师胜川春章去世。次年,北斋由于和同事春好不和,离开了胜川画室。从后来的经历来看,这对他来说未尝不是一件好事,因为从此开始他迎来了事业的第一个高峰。他很快继承了“淋派”画师“表屋宗理”的名号,此后他的作品以狂歌本为主,还画了一些美人画。其中的代表作是《风流无くてななくせ》,这是他绘制的众多大首绘美人图中最重要的一幅。他笔下的美人大多是修长的脸,微张的小口,再加上精致的笔法描绘,总能使得画面看起来妙趣横生,这便是被时人所称道的“宗理风”。其实,不论是高贵的仕女,还是神秘的神话人物,或是一般的田汉村姑,在北斋的笔下都能被描绘的活灵活现。此时的他还广泛研究了狩野派、宗达—光琳派和洋风画派等各种门派的艺术特色,特别是洋风画派对他以后的作品有很深的影响。宽政10年(1798年),他把“宗理”的名号让给门人宗二,而改名为“北斋辰政”。七年后,才改为“葛饰北斋”,这一年他46岁。北斋此后的作品日渐丰富,其画风也基本形成了。后来,北斋常称自己是五十岁才降生的,可能就是这个缘故吧。北斋早期所描绘的作品,主要以风俗画和美人画为主,而此时则开始逐渐转向风景画。其实关于浮世绘中的风景画创作,北斋并不是第一人。奥村政信、歌川丰春、司马江汉等人都创作过风景画,而北斋则结合以前诸位大师的创作经验和西方的绘画技巧,为浮世绘风景画的创作打开了一个新的局面。进入化政时代,由于市民对浮世绘的需求加大,以及创作手法和技术的日趋成熟,使得浮世绘创作进入了黄金时代。而葛饰北斋也迎来了他的第二个创作高峰期,他一生中的两个最大成就都是在这一时期完成的,一个是《北斋漫画》,另一个便是《富岳三十六景》。文化7年(1810年),北斋开始使用“戴斗”这一画号。此后几年间,他出版了一些指导绘画的范本书,例如《略画早指南》(1812)、《北斋漫画》(1814)、《略画早学》(1814)、《三体画谱》(1816)等,用以指导门人学习绘画。其中以《北斋漫画》最为有名,在《北斋漫画》中北斋示范了描绘各种形体时使用的不同方法和科学的认识,特别是对人物各种姿势表情进行了深入的研究。在描绘的内容上既有人们的喜怒哀乐,也有鸟兽虫鱼、山川草木,甚至是日常生活中的一般器物,可以称的上是一部绘画版的百科全书。这部丛书洋洋洒洒十五卷,直到北斋去世以后才出版完。它对后世的影响很大,很多人认为《北斋漫画》是日本现代漫画创作的鼻祖。文政2年(1819年)北斋又把“戴斗”的画号让给门人斗円楼北泉,自己则改名“为一”。对于北斋为什么会不断的更改画号,在日本学界有一种看法,说是北斋为生活所迫,不得不把自己创出名堂的画号转让给他人,以换取一笔转让费用,来维持一家人的生活。且不管这种说法是否准确,但北斋一生清贫,而且饱经磨难却是事实。进入中年以后,妻子和两个女儿也先后去世,三女婚事又不谐,晚年再遭火灾,毁去了他几十年的画稿与心血,给他精神上造成了很大的打击,但这似乎并没有影响到他的创作。文政末年到天保初年,70岁的北斋陆续创作和发表了横大判《富岳三十六景》共46枚,这是后来为他赢得世界性荣誉的代表作。在这些精美的作品中,以《凯风快晴》和《神奈川冲浪里》最为有名,我们几乎可以在任何一部介绍日本绘画的书中看到它们,并可以读到对于这些作品的高度评价。例如,著名美术史学家秋山光和就认为,这几幅作品将日本绘画以往的所有成就都再一次集中的展现出来了。然而有人却更喜欢《骏州江尻》。在这一幅画中,北斋用最为简单的几何线条勾勒出美丽的富士山,而画面的主要场景画的是在大风天气中赶路的人们。有的人头上的斗笠被吹走,而有的人手中的纸被吹的漫天飞舞,北斋对这种瞬间画面的把握,达到了很高的境界。在这样一幅“风”景画中,北斋画出了风,毫无疑问“风”是没有颜色的,但任何一个人看到这幅画时,都能听到从画中传出的呼呼的风声,我想这就是所谓“能画一枝风有声”吧!如果单从题目上看,《富岳三十六景》自然应以富士山为主角,然而在《富岳三十六景》这46幅作品中,除了少数的几幅以外,富士山几乎都是一个远远的背影,画面的主题大多是一般百姓的生产和生活场景,并充满了浓郁的乡土气息。恐怕正因为这样,才使的这些作品,受到当时人们的欢迎。此后,他又先后发表了横大判《琉球八景》、纵大判《诸国泷廻り》以及绘本《富岳百景》等作品,同样受到了好评。天保5年(1834年),北斋放弃了为他迎来巨大成功的“为一”这一画号,转而使用“画狂老人卍”。从此开始,他的木版锦绘作品逐渐减少,取而代之的是大量的“肉笔画”。(所谓“肉笔画”其实就是直接画在纸或绢本上的手绘彩图。)从取材上看,也从以前的风俗和风景画转为以描绘动植物为主。天保年间的日本,已经开始受到西方列强的滋扰,国内的矛盾也日益尖锐,出现了“大盐平八郎之乱”等一系列事件,幕府作为垂死挣扎而进行的“天保改革”也已失败告终。一向安逸的江户,开始越来越不平静,北斋遂迁往较为清净的信州小布施町。并在小布施町完成了他的一些重要作品,例如为“上町”和“东町”两座祭屋台绘制天井画等。事实上,此时葛饰北斋的光芒与荣耀,早已被年轻的歌川广重夺去,他那业已失去变化的画风,也渐渐失去了市场。对于一个画家来说,想象力的日益衰退,可能比身体的衰老和亲人的离去更让他感到伤心。但尽管如此,耄耋之年的北斋仍然倔强的坚持创作,据说他有时请在远方的弟子们,为他带一些只有当地才有的鱼类和贝类,并以此作为速写的素材。此时的北斋还像孩子一样的说过,“如果再给我十年寿命,我将会成为一个真正的画家”。就这样他怀揣着这点希望,渐渐走完了失意和悲凉的晚年。嘉永2年(1849年)元月,北斋抱病创作了他的最后一幅作品——《富士越龙》。画面上具有鲜明“北斋风格”的富士山,以及一如既往的精致笔法,表明这位老人的绘画技巧依旧是那样的娴熟。而墨色浓重显得有些阴冷的画面,可能也表达了他此时的心境,还有那条在黑云中飞升的苍龙,是他自己的化身吗?三个月后,葛饰北斋在位于浅草圣天町遍照院的家中去世,享年90岁。这时的北斋,在大胆吸收荷兰风景版画手法的同时,又继承日本名胜画的传统,细心观察江户市民的生活风俗,创造出《狂歌绘本东都名迹概览》。《富士三十六景》(1830)则是结合西方手法和日本情趣创立的新样式代表作。在这46幅系列作品中,北斋完全通过自己的眼睛,从人们生活的角度观察自然。日本灵峰富士山的巍峨形象,通过与庶民生活诸相的对比,出人意料的构图、或瞬间即逝的千姿百态,呈现出令人目眩的丰富表情。北斋还以日本各地的山川大海为题,创作了其他风景版画杰作。自然通过北斋的视觉而被把握住本来面目,并与画中人物互感。他的具有革命意义的表现形式,对当时江户市民的冲击之大是可想而知的。北斋的才能不仅在风景画领域,而且在读本插图、花鸟画甚至《百物语》这种妖怪画等所有画域都有崭新的表现,还反映在肉笔画中。他自号“画狂人”,直至90岁去世留下了数量巨大的作品。通过多产的作画活动,他追求的主题既有自然,也有人间生活、鬼怪世界。他将进入其见闻的包罗万象的事物的本质,作为一种“动态”来理解,以超常的机智和富有戏剧性的想象力来把握和表现这样变幻莫测的现象。在《椿说弓张月》(1807~1808)插图中出现的诸怪异场面的逼真表现,在日本美术史上,北斋是位想象力特别丰富的实验艺术家。据说他曾将鹅蹼沾满了红色颜料,任其自由地覆印于白纸上,最后依势落笔而成美丽的秋枫图。北斋是极端的完美主义者,其才华不仅表现在绘画方面,文笔也超人一等。在他长达八十年的创作生涯中创作的众多佳作,对后世影响很大。北斋的风景版画由于其令人耳目一新,而受江户市民的欢迎。但他对现实奇矫扭曲形态的强烈偏执,却是超越当时人理解的,只有到现代艺术中才能引起共鸣。在这个意义上说,他的艺术是超越时代的,是现代艺术之前的现代艺术。若提起江户时代的绘画...
卡西米尔·塞文洛维奇·马列维奇
卡西米尔塞文洛维奇马列维奇从接受严卡西米尔塞文洛维奇马列维奇作品谨的西方艺术美学的教育开始,后和康定斯基、蒙德里安成一起成为早年几何抽象主义的先锋,最终以朴实而抽象的几何形体,以及晚期的黑白或亮丽色彩的具体几何形体,创主义艺术舞台。“模仿性的艺术必须被摧毁,就如同消灭帝国主义军队一样。”这就是他铿锵有力的表白。马列维奇的至上主义思想影响了塔特林的结构主义和罗德琴柯的非客观主义,并通过李西茨基传人德国,对包豪斯的设计教学产生影响。20年代初,苏联文艺界对非写实艺术不再包容和接受,马列维奇只得终止其对抽象艺术的探求,而以教学谋生。1927年,他唯一的一本理论著作《非客观的世界》在德国出版。1935年,他在贫困和默默无闻中离开人世。马列维奇首创了几何形绘画,留存于世的那些作品在这么多年以后,仍以它的单纯简约而令人惊讶。他称得上是二十世纪抽象绘画的伟大先驱。他一生以其谜一般的作品,为20世纪的艺术界勾勒出了另一片璀璨的星空,预示了从达达主义到后来的极简主义等多种艺术运动时代的来临。他为艺术开辟了无限广阔的前景,任由后来者遨游与徜徉。至上主义是传统绘画时代终结的标志,而整个至上主义艺术团体中几乎只有卡西米尔塞文洛维奇马列维奇一个人。至上主义绘画彻底抛弃了绘画的语义性及描述性成份卡西米尔塞文洛维奇马列维奇作品,也抛弃了画面对于三度空间的呈现。那些平面的几何形,不具有丝毫的体积感和深度感。在马列维奇的作品中,那些几何构图自由而奔放,在画面上形成一种旋转的或离心的动感,这可能与未来主义及辐射主义的影响有关。此外,马列维奇绘画中的表现性特质,也是蒙德里安那种冰冷的、中性的抽象画所不具有的。对马列维奇来说,一个方形本身就具有一种独特的表现性个性,一切具有自身表现性特点的要素统统要排除在绘画之外,构图的全部重点是不带任何感情因素的直角系统。马列维奇早期的作品揭示了画家几乎全部自己的求学历程,反映了前30年的西方绘画从印象主义直到未来主义的演变过程。马列维奇在其中又融入了一种源自于俄国圣像画的更具地方色彩的灵感,“原始农家”艺术与原始主义的纯净色彩及简单形体。从1910年开始,他的艺术与俄国前卫艺术一脉相承。塞尚的分析立体主义与意大利画家的未来主义对他的艺术创作产生了重要影响。马列维奇继续探索符号与立体主义现实之间的差异,尝试消除作为具象艺术根基的形式与内容之间的对立,以及孤立“纯粹”的符号。因此,他在俄国诗人柯来伯尼科夫的影响下创造了不合逻辑的画,即“理性之外”的“跨越理性”的绘画。与具象图案和简单抽象相比,马列维奇倾向于选择最简单的形式,如方块。他不断探索着形体、色彩与空间的关 系,断言:“如果想成为真正的画家,那么画家必须抛弃主题与物象。”以这句箴言而付诸实践的至上主义代表作《黑色正方形》,成为了现代艺术的关键之作。这是一幅绝对抽象的油画作品。马列维奇自己视此为艺术中纯粹创造的第一步。这是一幅对客观世界进行否定的至上主义作品。在《至上主义》中,大小不同的几何形体从线条到平涂色都在不断变化着,它们相互交错,重叠或避开。一条细细的黑线把作品分为两个部分:一个稍稍向上倾斜的黑色大四边形,它的右上角消失于画面之外;由几乎与平面平行的纯色图像组成的下半部分似乎更为稳定。从这幅绘画开始,马列维奇展开了构筑“无物象的世界”。在马列维奇的绘画中,真正做到写实主义,就是绘画要只为自身而存在。也就是说,创作仅仅存在于绘画本身,其所包含的造型并非借自于大自然,而是源于绘画的质与量。所有的至上主义艺术的基本上造型都源自于方形:长方形是方形的延伸,圆形是方形的自转,十字形是方形的垂直于水平交叉。《黑十字》及《黑色圆形》就是《黑色正方形》的姐妹作品。这已经成为了至上主义美学的简约化身。马列维奇在其生涯的不同时期,画过好多个黑色正方形的版本,最后甚至伴随他长眠于地下。以此为代表的至上主义作品,其内涵均存在于其本身以及与其有关联的东西上。一具至高无上的黑方块,并不象征任何东西,它只是一种存在。由此而推进,则最终在《白色上的白色》成了绘画艺术的最高境界。辐射主义在抽象道路上的探索,导致了一种纯粹而彻底的抽象艺术——至上主义的诞生。至上主义的灵魂是马列维奇(kazimirmalevich,1878—1935)。1913年,他在白纸上用铅笔画了一幅《白底上的黑色方块》。这一简约新颖的构图成为至上主义产生的标志。《白色上的白色》suprematicistcomposition:whiteonwhite,又译为《至上主义构图:白上白》马列维奇曾经说过,“方的平面标志之至上主义的开始,它是一个新色彩的现实主义,一个无物象的创造……所谓至上主义,就是在绘画中的纯粹感情或感觉至高无上的意思。”在否定了绘画中的主题、物象、内容、空间之后,简化成为了最终的表现,人们的意识在接近于零的内容之中,最后在绘画的白色沉默之中,被表现出来。“无”成为了至上主义最高的绘画原则。1913年末,马列维奇开始对克服地心引力和征服宇宙感兴趣。他曾在《致马秋申书》中这样说,“我的新绘画完全不属于地球。地球象个被蛀坏的房子一样,已经被遗弃了。确实,在人的身上,在人的意识中,有一种对空间的渴望,一种脱离‘地球’的向往。”在他画中,有关宇宙及太空飞行的主题开始突出起来。他的许多作品,形体尽管各富于运动感,但却脱离了上与下的概念,仿佛在某种无垠的虚幻空间中自由翱翔。天空的蓝色遮住了通往太空的视线,于是马列维奇要把这彩色的天篷扯破。“我已经打破了色彩极限的蓝色世界,”他充满激情地宣称,“我转向白色,除我之外,还有飞行员同志们,游弋于这个无限之中。我已经建立了至上主义的旗号。游弋吧,自由的白色之海,无限躺在你面前。”当太空的主题达到顶点,白色便成了其终极的标志。1918年,马列维奇最著名的《白色的白色》问世。这一标志着至上主义终级性的作品,彻底抛弃了色彩的要素,白色成为光的化身。那个白底上的白方块,微弱到难以分辨的程度,它仿佛弥漫开来,并在白炽光的氛围里重新浮现。在这里,马列维奇似将进入一种难以用肉眼看见,难以用心灵体察,难以用感觉品味的境地,所有关于空间、物体、宇宙规律的当代观念,在这里都变得毫无意义。画家所要表现的,是某种最终解放之类的状态,即某种近似涅磐的状态,而那细小的,难以看清的边缘,就是涅磐留下的唯一具象痕迹。这是至上主义精神的最高表达。“方形(人的意志,或许人)脱去它的物质性而融汇于无限之中。留下来的一切就是它的外表(或他的外表)的朦胧痕迹。”《白底上的黑色方块》不仅对马列维奇本人意义重大,而且对整个现代艺术史影响深远。它是非具象艺术道路上的一个里程碑。此后,马列维奇进一步发展出至上主义绘画的一整套语言体系。他用圆形、方形、三角形、十字交叉这些至上主义基本成份及简单明快的颜色组构出许多画面,展示了至上主义方块的多样性。1918年,经过一个较为复杂的时期后,他回归简化,达到轻灵简约的巅峰。马列维奇于1920年对至上主义的发展作了总结:“按照黑色、红色和白色方块的数量,至上主义可以分为三个阶段,即黑色时期、红色时期和白色时期。……这三个时期的发展过程是从1913年至1918年,它们都是以纯粹的平面发展为基础。在现代绘画史上,马列维奇是第一位创作纯粹几何图形的抽象画家。他生于基辅,童年在乌克兰度过。他曾就读于基辅美术学校,1904年进入莫斯科绘画、雕塑、建筑学校学习。在绘画上,他在尝试了后印象主义和野兽主义风格之后,形成“农民马列维奇”风格。该风格的作品以稚拙的手法描绘俄国农民,使形象看起来粗拙僵硬,并在正方形构图中取得沉静有力的效果。后来,他又转向立体主义,画面形象愈加趋于几何化,色彩鲜明且对比强烈。这一风格的作品,如《雪后乡间之晨》、《磨剪刀的人》,对物象进行了几何型处理,这与莱热后期绘画的机械立体主义风格具有相似之处。这种画风,与他以后至上主义的几何抽象构图具有某种内在联系。1913年,马列维奇画出了著名的《白底上的黑色方块》,这是至上主义的第一件作品,标志着至上主义的诞生。马列维奇在一张白纸上用直尺画上一个正方形,再用铅笔将之均匀涂黑。这一极其简约的几何抽象画,于1915年在彼得格勒的《0、10画展》展出,引起极大轰动。观众们在这幅画前纷纷叹息,“我们所钟爱的一切都失去了。……我们面前,除了一个白底上的黑方块以外一无所有!”不过在马列维奇看来,画中所呈现的并非是一个空洞的方形。它的空无一物恰恰是它的充实之处;它孕育着丰富的意义。马列维奇认为,观众之所以对该画难以接受,是因为他们习惯于将画视为自然物像的再现,而没有理解艺术品的真正价值。在他看来,“拉斐尔、鲁本斯、伦勃朗等人的绘画,对于批评家和公众来说已变得只不过是无数‘物体’的团块,这个团块掩盖了这些画的真正价值,即产生它们的感情。……倘若能够抽走这些大师卡西米尔塞文洛维奇马列维奇作品作品中所表现的感情——亦即它们真正的艺术价值所在——把它藏起来,那么公众、批评家和艺术学者连想都不会去想它。”(马列维奇著,邹春梅译:《至上主义》,《世界美术》1990年第1期,第7页。)
弗兰克·戴维·卡德勒
弗兰克卡德勒(frank david cardelle)博士,美国杰出的心理学家,团体领导者,心理学教授,反战活动家和作家,世界著名心理治疗大师。1946年出生于美国加州,从1965年进入心理学领域至去世共有45年,曾受训于加拿大格式塔学院、瑞士苏黎世荣格学院、加州esalen学院、加州整体医学中心、美国国家训练实验室、佩斯克河中心、酋长学院,他历时十五年完成了各种各样的精神疗法的训练。并且分别在加利福尼亚落杉矶大学的整体医学中心,纽约的西格蒙大学,瑞士苏黎世大学的容格学院,加拿大的格式塔学院做过研究。他是行为医学、咨询与心理治疗等国际专业学会的成员。弗兰克卡德勒博士在三十多个国家的会议、大学、学院成功举办和指导工作坊和培训。包括加拿大、美国、东西欧、南美、前苏联、中西亚非洲和澳大利亚和中国。他多次培训联合国的职员,并且成为了许多学院、研究所、咨询中心的客座培训师。他在从业过程中,做过大量短期工作坊,如梦, 性别、易学、催眠、交互分析等。在45年的心理学职业生涯中,弗兰克博士有20余年长年奔走于世界各地,其专业足迹遍及60个国家,并在39个国家成功举办不同主题的心理学工作坊,故被业内同行誉为国际心理学家。身患癌症的frank david cardelle博士,已于2010年4月21日19:40(哥伦比亚时间)在哥伦比亚去世。弗兰克卡德勒博士分别在加利福尼亚落杉矶大学的整体医学中心,纽约的西格蒙大学,瑞士苏黎世大学的容格学院,加拿大的格式塔学院做过研究。他是行为医学、咨询与心理治疗等国际专业学会的成员。研究方向分别涉及心理咨询与治疗、领导力培养、人际关系、压力管理、危机与冲突解决以及个人规划与发展等多个领域。弗兰克卡德勒博士在近45年的心理学职业生涯中,弗兰克博士有20余年长年奔走于世界各地,其专业足迹遍及60个国家,并在三十多个国家的会议、大学、学院成功举办和指导工作坊和培训。包括加拿大、美国、东西欧、南美、前苏联、中西亚非洲和澳大利亚和中国,被誉为国际心理学家。弗兰克博士热爱中国,曾经多次访华,并在中国工作,石林教授、熊汉中博士、袁荣亲老师、吴思娜博士、孙瑞雪老师、郝滨老师、张纯先生、吴海燕博士等中国心理学界著名的专家及学者曾经协助其在华工作。他多次培训联合国的职员,并且成为了许多学院、研究所、咨询中心的客座培训师。弗兰克卡德勒主要著作有《重建自我——从阴影走向光明》、《成为兄弟的旅程》、《青年和成年》、《男人的灵魂》、《世界末日》、《男人和女人》以及《鹰之飞翔——一位心理治疗师的成长手记》等,这些著作已分别以俄文、西班牙文、匈牙利文、中文等12种语言出版。弗兰克博士的著作及其心理培训,总能触及读者与学员的心灵,因而在全球范围内产生了广泛影响。《重建自我》(shadow into light)已在中国出版 《成为兄弟的旅程》(journey to brotherhood: awakening, healing connecting men’s hearts)。(维琴尼亚萨提亚作序)  《青年和成年》(youth adult)  《男人的灵魂》(mansoul)  《世界末日》(dying to the world)  《唤醒和治愈男人灵魂的快乐与痛苦》(joys agonies of awakening healingthe male soul)  《男人和女人》(men women)弗兰克卡德勒博士解决的是这个新地球村的问题,我想为他的这份努力向他致以最诚挚的祝贺。  ——1985年诺贝尔和平奖获得者ernesto kahn m.d.教授 弗兰克卡德勒博士的方法是和心相联结的,其中含有很多智慧,并印照出我们可以成长得更为完整的潜能。    世界知名家庭治疗师,弗吉尼亚.萨提亚弗兰克卡德勒博士来自美国而属于世界,他的哲学和方法是具有整体的,挑战性的和激动人心的。他的视野更具人性化,他把整个世界看成是一个完整的大家庭。    我国著名压力管理专家熊汉中博士弗兰克卡德勒博士在思考着我们所生存的世界,以及我们所生活的时代。    著名心理咨询专家郝滨老师弗兰克卡德勒博士是一位怀有特殊使命的心理学家。    著名心理咨询师彭艾梅弗兰克卡德勒博士那昂扬的、不羁的、如同浪漫主义骑士的精神,如同烈烈的旗帜,在我的心中飘扬。     著名职业心理教育专家钟谷兰附录:临终遗言  中文(李昂翻译)如果我的亲爱的兄弟rodrigo正在向你们大家读这封信,那就意味着我只能用我的精神而非我的肉体和你们在一起了。一般来说,我希望我能继续我的全球工作之旅,在中国、立陶宛、乌克兰、俄罗斯、美国开设我的工作坊,然后在深秋返回哥伦比亚,参加一个与gustavo mutis、 peter senge以及两位哈弗大学的教授共事的项目。这个项目将会为哥伦比亚的社会探索打开的新的篇章。这是我全球之旅的重要一步也是我对哥伦比亚所做的重要的一步。也许这就是俗话说的卷土重来。但我们知道事情不会总向着我们想象的那样发展,不能继续在中国以及其他一些正处于正处于转折点,并且我为之奋斗许久的地方工作,对我来说是一件痛苦万分的遗憾。虽然如此,这次回归哥伦比亚的旅途还是标志了我全球之旅的终结,就如同我25年前在哥伦比亚开始它一样。我完成了这个大圈,完成了我的任务,完成了从智利到东非跨越71个国家的旅程,完成这个让我理解了生命、死亡、梦想、需求、人性、自然、等等等等的旅程。我发自内心的感激生活给予了我这样一个机会。现在,我的旅程走到了终点,我也必须接受这一点。学会接受这一部分也是我旅程中的一部分。没有人能在物理世界永生。在座的各位大部分曾经是我的学生,现在你们也作为老师、作家、治疗者为你们周围的人,为你们的国家和社会做着贡献。能看到这些,就已经让我感到非常的自豪了。我希望你们能在这两天里互相学习、互相分享、一起创造,如同古时候的给予和接受的节日一样。在高科技充斥的世界中,我们都逐渐的丢失生活本身的快乐。为此,我喊出了我们可以做的更好,我们不是机器来唤醒大家意识到,人性本身是我们最为珍贵的礼物。那么知晓这些后我们应该怎么做呢?那些借口,拖延,指责,抱怨和等待拯救者的心态都应该被终结,只有我们自己才能成为我们最需要的那个人。向前走一步,不要向后退。走的太快也会让你失去你所依赖的大地。记住,跟随你的心,一步步的走,把你得恐惧当做良师益友,把你的阴影当做有力的提醒。他们都是提醒你前进方向,通往光明的人。这些是你们在这两天中的挑战,希望你们能注重生活本身而不是局限于死亡和悲伤。我希望你们庆祝我的死亡。虽然我走了,但我的工作依然会继续,而你们在接下来两天中的选择将会帮助我遗留下的工作更好的进行。你所迈出的哪一步,不仅仅是为了我留在世上的种子,也是为了你的生命,家人,工作梦想和很多很多,这一步将让你以后的生活越来越充实。哥伦比亚的兄弟姐妹们,你们的时间来到了,宇宙已经为我们创造出了改变的契机,我们要去创造一个新的世界。和你们的恐惧成为朋友,不要再试图拒绝它、控制它。同时也停止对其他内心阴影的拒绝和控制。我们需要接受这些我们内心长久以来疏远,隐藏的部分。这其中尤其是对死亡,我们对死亡最大的错误是忽视它作为由肉体转为精神的第一步。我知道你会去做你需要去做的,去完成你生命的蜕变,给自己一个再来的机会,仔细看看如何才能让自己做的更好。不要质疑,因为这是可能的,你有能力去做到因为我们每一个人,地球上的每一个人都可以做到这一点。去寻找你的向导和老师,把你固执的自我放在一边,倾听内心的向导,去收集组织那些最适合你的东西。去合作,共同创造,交流,互相付出,互相信任支持。最重要的,记住爱,投入,学习,成长,创造发现,再次发现。现在就是让这一切发生的最好时机.。在这两天里,我的精神将和你们在一起,一起分享,一起感悟。当你结束这两天的旅程后,你将迎来一次新生,重新的体会生的意义,和你的家人朋友们一起向着成为更好的人前进。记住马丁路德金曾经说过的,爱不是答案,他只是一个任务,不管从身体上还是精神上,我们都必须不惜一切代价接受这个任务,去学习我们生活的意义。参加这两天旅程的兄弟姐妹们啊,不要忘了把你们在这里得到的、感悟到的传递给其他人。这是让这份爱的精神传遍世界的唯一途径,黑暗可以变成光的一部分,我们能重新成为一个整体。这是我,也是很多很多人长久以来的梦想。我爱你们大家!写于哥伦比亚sierra morena。