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教你怎样鉴赏中国绘画艺术

常有人问,怎样欣赏一幅绘画作品?这个问题如往细里讲,可以讲几天;如果简单回答,对方还是如坠五里雾中。我认为了解和掌握中国绘画艺术的一些要领,对于鉴赏大有裨益。

首先,要了解中国画的分类:

从画的内容可分为:人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。

从画的形式或颜色上可分为:水墨、青绿、金碧、浅绛等。

从画的技巧上可分为:粗笔(泼墨)、细(工)笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。

从画的时代上可分为:古画、新画、近代画、现代画等。

中国画遵循以下几种特有的法则:

以线造型、以形传神是中国画的造型规律

中国画是以线存形的,中国画的主要绘画语言是线。通过线勾出轮廓、质感、体积来。西洋画用光为主要造型手段,光的运用是西洋画主要的绘画语言。这就使中西绘画在造型手段上有明显分野。中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线,都积累了非常丰富的线型,巧妙地描绘着各种形象。我国东晋画家顾恺之和唐代画家阎立本、吴道子就是运用线描最好的画圣级大师。

“以形写神”是顾恺之的一句名言,从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别,即画人不仅仅于形似.还要升高于神似,画出人的精神面貌,不停止于外形之模拟,不拘泥于自然之真实,这一论见为艺术家建立了艺术应竭力企求的高度,成为指导绘画创作的一个重要准则,也成为评判绘画艺术乃至各种艺术的一个标准。

由于有了这样一个准则,传统的中国画不讲焦点透视,用线和点来来表现描绘对象。相比之下,中国画是一种更高超的艺术创作,不忠实于生活,而是通过描绘对象来表现作者的内心世界。不拘泥于物体外表的肖似,而多强调抒发作者的主观情趣。

中国画讲求“以形写神”,追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。西画更像摄影,传统的或学院派的画作追求和照片一样逼真。他们画的是现实的世界,有还原的成份。而中国画的是画家心中理想的世界。

西洋画是“再现”的艺术,中国画是“表现”的艺术。西洋画是写实,中国画是写意。写意是中国造型艺术的主流,影响到所有艺术门类。

西汉茂陵前的石雕是大写意,艺术家利用天然石块的自然形状稍事加工,不甚雕琢,只用简单的几刀,略作钱刻,便表现出动物的内在神态。

京剧舞台上的布景也是写意的,一张桌一只椅就是一个家。有的甚至什么也没有,舞台是空的,演员一抬脚,观众就知道是在迈过门坎,进到屋子里了。

中国人画水中游鱼,并不用任何笔墨表现水的存在,观画的人却能感觉到鱼儿在水中嬉戏。

中国画家常把竹子画成红色,违背现实,西洋人是不理解的,中国人认为很正常。

同是一座黄山,不同的中国画家画出来各不相同,因为是他“心中的黄山”,他的黄山已经是他主观人格、情趣的表现物了,这就是中国艺术的魂。

因此中国画的艺术高于西方,也是高于现实生活的。这话不是我说的,是毕加索的原话。

当然中国也有写实主义的作品,如秦兵马俑。

多点透视、计白当黑是中国画的构图法则

在透视的方法上,中国画与西洋画也是不一样的。西洋画一般是用焦点透视,这就像照相一样,固定在一个立脚点,受到空间的局限,摄入镜头的就如实照下来,否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画,也不受固定视域的局限,它可以根据画者的感受和需要,使立脚点移动作画,把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。

这种透视的方法,叫做散点透视或多点透视。如北宋名画、张择端的《清明上河图》,用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心,从远处的郊野画到热闹的“虹桥”;观者既能看到城内,又可看到郊野;既看得到桥上的行人,又看得到桥下的船;既看得到近处的楼台树木,又看得到远处纵深的街道与河港。

而且无论站在哪一段看,景物的比例都是相近的,如果按照西洋画焦点透机的方法去画,许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

中国画在空白处尤其注意经营,常常借用书法上的计白当黑,何谓计白当黑?意思是说,画面不要安排得太满,应该留有恰当的空白,给人们留下想象的余地,虚实相生,画面更显空灵,景物更有生气。换句话说,就是把什么也没有的“白”也当作“有”来处理来经营,白不是虚,而是实。

清代邓石如称:“字画疏处可使走马,密处不使透风,常计白以当黑,奇趣乃出。”黑处要精心结撰,而白处——字里行间的布置也须措置得宜,使疏密有致,两者相映生辉。

随类赋彩、色彩相和是中国画的色彩法则

中国画的色彩,不拘泥于光源冷暖色调的局限,比较重视物体本身的固有色,而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品,就赋予那一件物品的基本色,达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面,也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律,而是或作长卷,或作立轴,长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。

用笔和用墨是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化,以表现物体的质感。中国画的用墨之妙,在于浓淡相生,全浓全淡都没有精神,必须有浓有淡,浓处须精彩而不滞,淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色,古有墨分五彩之经验,亦有惜墨如金的画风。

用墨还要有浓谈相生相融,做到浓中有淡,淡中有浓;浓要有最浓与次浓,淡要有稍谈与更淡,这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处,二者结下了不解之缘,古人早有“书画同源”之说。

但是二者也存在着差异,书法运笔变化多端,尤其是草书,要胜过绘画,而绘画的用墨丰富多彩,又超过书法。笔墨二字被当作中国画技法的总称,它不仅仅是塑造形象的手段,本身还具有独立的审美价值。

中国画要求笔与墨合,情与景合。画家凭借自己的感受,激发起创作描绘的激情,于是作品作为情景相生的复写而重现,使情景交融在一起。情景相生、气韵生动方可使中国画产生意境之美。

至于气韵生动,则是画家所创造的艺术灵境,不同于一般的写生画,应成为富有生气,新鲜而活泼,有诗一般的韵味,使观者神往无穷,这叫笔墨情趣。一幅画作,光有高超的技法和基本功还不够,还要有高品位的笔墨情趣。只具备前者是画匠,两者兼有才是画家。

中国画又是综合的艺术形式,一幅佳作有画、有诗、有书、有印,可以补充观者对作品的欣赏和理解,也丰富了构附的变化,起到互相衬映,互为显彰,点缀与平衡构图的多方面作用。提高了画作的观赏性。

齐白石曾评价自己的作品,他说,一般人都认为我的画最好,其实我的治印当数第一;书法第二;诗第三;画殿后。懂鉴赏的人可知此言不谬,白石老人的印和书法的确成就极高。一幅好的作品,诗书画印均应位居上乘。吴昌硕的成就也说明了这一点,诗书画印俱佳。

现在有的画家,画看上去有一眼,就怕看题款,有的字写得“惨不忍睹”。印尚可请高人镌刻,但题字总不能让别人捉刀代笔,更不用说题诗了。这样的作品就难以归于上乘。十年可以成就一个画家,但十年出不来书法家,写字比绘画难得多。看诗书画印是我们把握一幅作品水平高下的重要参照。

当然,鉴赏艺术品对于鉴赏者本身也有很高的要求,独到的眼力背后往往是长期积累的文化修养所支撑。本文篇幅所限,不能细说一一,即使篇幅无限,也终是纸上谈兵。要想达到方家里手的程度,还要靠观者自己练基本功。

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